Diego Rivera jest malarzem i muralistą. Biografia Diego Rivery. Słynny meksykański artysta Diego Rivera i jego bardzo burzliwe życie osobiste (16 zdjęć) Biografia artysty Diego Rivery

Diego Rivery I jego brat bliźniak Carlos urodził się w dobrym zamożna rodzina w północno-zachodnim Meksyku w małym miasteczku Guanajuato 8 grudnia 1886. Carlos zmarł w wieku 2 lat, skończył Diego jedyne dziecko w rodzinie.Informacje o jego ojcu są sprzeczne. W wieku 3 lat Diego zaczął rysować, ale był niezadowolony pracować w albumach, on przeniósł się na ściany. Zamiast aby go ukarać, rodzice zrobili tablicę i dali kreda, następnie i płótno na użytek młodego artysty.

Matka Diego, Maria Barrientos, którą Diego nazwał „drobną, niemal dziecinną, z dużą niewinnymi oczami", zrozpaczony z powodu śmiercisyn, aby pokonać depresję, zaczęła aktywnie studiować położnictwo, zapominając o małym Diego. W tym czasie stan zdrowia Diego bardzo się pogorszył, zachorował na krzywicę, w wyniku której doszło do deformacji układu kostnego.

Krewni Diego wysłali go do zamieszkania w górach wraz z indyjską nianią Antonią. " Wizualnie dla artysty była idealna Indyjska kobieta i rysowałem ją wiele razy z pamięci w mojej długiej czerwonej i niebieskiej szacie szalik.” Diego nazwał ją uzdrowicielką, ona użyła zioła i rytuały, które go leczyły i pozwalały mu wędrować po lesie. To dzięki niej Diego stworzył wiele obrazów przedstawiających rdzenną ludność. W wieku dziesięciu lat rozpoczął naukę malarstwa, zaskakując nauczycieli swoim dziecinnym podejściem do kreatywności i niewątpliwym talentem. Na początku XX w., po otrzymaniu stypendium Akademii Sztuk Pięknych w Meksyku, Diego wyjechał w celu kontynuowania nauki w Europie.W 1896 r. wstąpił do Akademii San Carlos, gdzie otrzymywał od gubernatora 30 peso miesięcznie.

W 1904 r meksykański artysta wrócił od swojego wycieczki po Europie.Trudno było na początku ubiegłego wieku zaskoczyć Europę talentem, ale Rivera szybko i gwałtownie wdarł się w sztukę, pogrążając się w malarstwie, jakby to była kolejna miłość. Ale ta powieść była dla niego wyjątkowa, bo trwała przez całe jego życie. W Europie poznał nie tylko mądrość malarstwa, ale także sztukę czarowania kobiet. Przyjaciele, a wśród nich artyści Picasso, Reyes, Modigliani, pisarz Ehrenburg, terrorysta Savinkov nadali temperamentnemu Meksykaninowi przydomek „kanibal”, sugerując jego zdolność do dosłownie wchłaniania kobiet, a nie niepoważnych prostaczków, ale społecznych diw, które odniósł sukces w życiu i wyrobił sobie markę dzięki własnym talentom. To oryginalna artystka Maria Vorobyova-Stebelskaya, gwiazda ekranowa Maria Felix i wielu innych. W tym samym czasie udało mu się poślubić równie znane kobiety.

Wybitny meksykański artysta Diego Rivera zasłynął nie tylko dzięki swoim obrazom, ale także burzliwym romansom. Kochał życie we wszystkich jego przejawach, a także namiętnie kochał kobiety, z którymi cieszył się ciągłym sukcesem. Dosłownie otulał kobiety urokiem, który zawsze wyrażał gwałtownie i emocjonalnie. A jednocześnie najbardziej zagorzały pochlebca nie odważyłby się nazwać go przystojnym.

Diego uwielbiał porównywać kobiety ze śnieżnobiałymi kaliami - smukłymi, pachnącymi, oddychającymi świeżością słonecznego poranka. Swoją uwielbienie dla tego kwiatu wylał na swoje płótna. Ogromnymi bukietami białych kalii podkreślał ciemną karnację temperamentnych Meksykanek i wykwintne piękno ospałych piękności towarzyskich.

Inne kwiaty rzadko pojawiały się na jego płótnach, ale kalii zawsze jest pod dostatkiem, kobiety dosłownie toną w swoich ogromnych białych pąkach.Ale jego pierwszą oficjalną żoną była artystka Angelina Belova.

Angelina Petrovna Belova (1890-1969) - rosyjska artystka, od 1909 mieszkająca w Paryżu, gdzie związała się z bohemą artystyczną. W 1911 roku wyszła za mąż za Diego Riverę. Ich małżeństwo trwało do 1918 roku. W latach 20. Belova zajmowała się grafiką książkową, ilustrując „Baśnie” Charlesa Perraulta, „Francuskie sny z zastosowaniem kwiatów św.”. Francis” F. Jammy, „Rosjanka Arina” K. Ane, rysuje dla magazynu „Mond”. Jej grafiki książkowe eksponowano na wystawie „Książka luksusowa” w latach 1923-1927 w Muzeum Książki w Brukseli. Ostatnie lata spędziła życie w Meksyku. Oboje byli z synem, który jesienią 1918 roku zmarł na grypę. „Dała mi wszystko, co kobieta może dać mężczyźnie. W zamian otrzymała ode mnie całe cierpienie że mężczyzna może skrzywdzić kobietę.”

Angelina Belova kochała Diego przez całe życie, pisała do niego listy. Każdy list zawiera wielką miłość do Diego, wspomnienia wspólnego życia, zmarłego syna, ich myśli, uczucia i kreatywność.

W swoich listach często mówiła, że ​​została zmechanizowana, że ​​teraz Diego jest jej Bogiem, Meksyk jest jej ojczyzną, a hiszpański jest jej. język ojczysty. Mieszkając przez wiele lat w Paryżu, marzyła o wyjeździe do Meksyku. I ona to zrobiła. Do Meksyku przyjechała w wieku 45 lat i mieszkała tam przez resztę życia, aż do 89 roku życia... i że kiedy ona i Diego spotkali się przypadkiem gdzieś w Mexico City, udawał, że jej nie poznaje...

Podczas gdy Rivera był żonaty z Belovą, spotykał się z innym Rosjaninem artysta o imieniu Marewna (Maria Worobiowa-Stebelskaja ).Rok po śmierci syna , Marevna urodziła od niego dziewczynę imieniem Marika (który później stał się aktorka filmowa i tancerka). Tego samego roku poznał artystę Davida Alfaro Siqueirosa i studiował z nim freski we Włoszech. Diego wyjechał do Meksyku w czerwcu 1921, obiecując Marevnie, że wyśle ​​pieniądze na dziecko, czasami wysyłał alimenty, ale nigdy nie uznał córki za swoją...

Maria Vorobyova-Stebelskaya była córką żydowskiej aktorki Roganowicz, która poślubiła niejakiego Worobiowa. Urodziła się w Czeboksarach w Czuwaszji w 1892 roku. W wieku dwóch lat została praktycznie adoptowana przez polskiego arystokratę Bronisława Stebelskiego, inżyniera, który przyjechał do pracy na umowę zlecenie. Być może był to jej prawdziwy ojciec, nie pamiętała ani matki, ani Worobiowa. Stebelsky zabiera dziecko i zostaje przeniesiony na Kaukaz, gdzie Maria spędziła dzieciństwo. Otrzymanie matury okazało się dla niej prawdziwą tragedią. Wróciła do domu ze łzami w oczach: dlaczego w zaświadczeniu jest napisane, że to Worobiowa, skoro to Stebelska? Ojciec ze smutkiem opowiedział dziewczynce jej „biografię”, zaznaczając, że nie może jej oficjalnie adoptować, ponieważ jest katolikiem. W wieku osiemnastu lat Maria wyjeżdża samotnie do Moskwy, uczęszcza do Szkoły Sztuk Dekoracyjnych i spotyka się z artystami. Następnie jej droga wiedzie przez Rzym i wyspę Capri do Paryża Bajeczne imię Marevna dla dziewiętnastoletniej Marii Worobiowej-Stebelskiej zostało wymyślone przez Maksyma Gorkiego. Dziewczyna podróżowała po Włoszech i trafiła na Capri. „Nikt nigdy nie będzie nosił takiego imienia, bądźcie dumni i żyjcie zgodnie z nim. Ale nie powinieneś jechać do Paryża, bo się tam znudzisz” – upominał młodego artystę proletariacki pisarz.

Portret Marevny – Modiglianiego.

Marevna mieszkała na Capri przez sześć burzliwych miesięcy i to był początek jej długiego życia na wygnaniu. Za nią były Czeboksary, gdzie się urodziła, Tyflis, gdzie ukończyła szkołę artystyczną, a następnie rok studiów w szkole Stroganowa w Moskwie. Jednak jej prawdziwe życie artystyczne rozpoczęło się dopiero wraz z przyjazdem do Paryża, kiedy osiadła na Montparnasse. Maria Vorobyova-Stebelskaya przez długi czas była w Rosji praktycznie nieznana. Dopiero po wystawie w Galerii Trietiakowskiej w 2004 roku i publikacji jej wspomnień stało się znane jej nazwisko, a jej obrazy zaczęto z sukcesem sprzedawać na aukcjach, choć nie osiągnęły one wielomilionowych dolarów, po jakich sprzedawano prace jej przyjaciół cenny. Za jej życia znaczna część jej prac została zakupiona od samej artystki przez muzeum sztuki współczesnej Petit Palais w Genewie.

Jednym z najatrakcyjniejszych siedlisk francuskiej bohemy początku XX wieku był „Ul”, słynny skłot paryskich artystów. Były to warsztaty, które w 1902 roku założył na Montparnasse rzeźbiarz Alfred Boucher. Przeważnie ludzie z Europy Wschodniej wkraczają w rolę artystów. Wśród tych, którzy później stali się sławni, możemy wymienić Soutine'a, Chagalla, Pascina, Zadkine'a... Byli tu wszyscy - od Picassa po Hemingwaya i Eisensteina. Marc Chagall wspominał później: „Mieszkała tu różnorodna bohemia artystyczna. W rosyjskich warsztatach płakał obrażony model, u Włochów śpiewali na gitarze, u Żydów zawzięcie się kłócili, a ja siedziałam sama, przed lampą naftową. Wszędzie walają się obrazy i płótna - właściwie nie płótna, ale moje obrusy, prześcieradła i koszule nocne, pocięte na kawałki i rozciągnięte na noszach... W „Ulu” można albo umrzeć, albo pozostać sławnym.”

Będąc w Paryżu, Marevna pogrążyła się w życiu artystycznym. W ciągu dnia uczęszczała na zajęcia do Akademii Rosyjskiej im. Marii Wasiljewej, a także do akademii Zuloaga i Colarossi, a wieczory spędzała w otoczeniu przyjaciół artystów, a także pisarzy Maksymiliana Wołoszyna i Borysa Sawinkowa. Paryż tamtych czasów pełen jest legend i historii, które powstawały dosłownie na naszych oczach. To nie mogło nie zafascynować młodej damy. Jej pierwszymi przyjaciółmi byli Chaim Soutine i Amadeo Modigliani.

Modigliani palił haszysz, rozebrał się do naga przed bladymi Angielkami, pokazując swoje nagie ciało: „Spójrzcie na wspaniały przykład renesansu” – jęknęli i upili się.

W swoich wspomnieniach z lat 50. opublikowała trzy książki z rzędu - Marevna opisała, jak po kolejnej nocnej orgii jedna z dziewcząt rozbiera się do naga i wspina się pod lodowaty strumień fontanny. Wszyscy są zachwyceni tym zdjęciem i krzyczą „hurra!” i wyznają dziewczynie swoją miłość. „W złotym świetle wschodzącego słońca, różowoczerwona, z długimi rozwianymi włosami, w strumieniach wody narodziła się nieśmiertelna Wenus”. „Potem dowiedziałam się” – napisała Marevna – „że w wyniku tego dowcipu dziewczyna nabawiła się zapalenia płuc i kilka dni później zmarła w szpitalu”. Minusem życia bohemy była bieda i choroby. 24 stycznia 1920 roku Modigliani zmarł na gruźlicze zapalenie opon mózgowo-rdzeniowych, a jego ukochana, zrozpaczona żalem, w dziewiątym miesiącu ciąży wyskoczyła z okna na czwartym piętrze. W przeddzień wernisażu Jules Pascin, który zawsze wątpił w swój talent, powiesił się w swoim warsztacie...

Chaim Soutine stał się jednym z najbliższych przyjaciół Marevny. Zachwycił ją swoim bezwarunkowym geniuszem, szalonym błyskiem w oczach. Czasami nie miał kawałka chleba, pukał do sąsiadów, a potem ponownie zamykał się w pracowni, malując swoje obrazy z miłością i pasją. Maksymilian Wołoszyn opiekował się nią niemal jak ojciec, było w tym dużo wzruszenia i czułości. „Wołoszyn był niski, gęsty i szeroki…” – napisała Marevna. „Jego głowa wyglądała jak lwa, podczas gdy głowa Ehrenburga przypominała mi wielką małpę… Kiedy szli razem rue de la Gaette… ktoś na nich patrzył i mówił: „Hej, spójrz na te dwie duże te.” małpy! A jeśli Diego Rivera i ja też bylibyśmy z nimi, od chłopców ulicy można było usłyszeć: „Hej, chłopaki! Tak, cyrk się pojawił! Dwie małpy, gruby słoń i dziewczyna z Trzech muszkieterów!

Marevna po raz pierwszy zobaczyła Diego Riverę w kawiarni na Montparnasse. Jego sława artystyczna była jeszcze daleko przed nim, ale na razie znany był ze swojego temperamentu i zamiłowania do płci żeńskiej, za co Borys Sawinkow nadał mu przydomek „kanibal”, co wskazywało na jego zdolność do „wchłaniania” płci żeńskiej. Ilya Erenburg napisała: „W 1917 roku Rivera nieoczekiwanie zainteresował się Marevną, którą znał od dawna. Ich charaktery były podobne – porywczy, dziecinny, wrażliwy. Dwa lata później urodziła się córka Marevny, Marika...” Marevna mieszkała z Diego przez sześć lat, dopóki nie wyjechał do Meksyku i tam poślubił artystkę Fridę Kahlo. Rivera był zagorzałym komunistą. W 1927 przyjechał nawet do ZSRR, gdzie spotkał się ze Stalinem, a później wdał się w akcję zabicia Trockiego. To on i Frida Kahlo zaprosili Trockiego do Meksyku i zapewnili mu do zamieszkania dom swoich rodziców na przedmieściach stolicy Coyoacan. Do pierwszego zamachu na życie Trockiego doszło w domu Rivery, zorganizowanego przez przyjaciela Diego Rivery, także muralistę Davida Siqueirosa. Sam Rivera przebywał wówczas w Stanach Zjednoczonych. „Nigdy nie był stały w swoich działaniach, pociągany pożądaniem i namiętnością do kobiet” – pisze Marevna – „dwa razy nawet opuścił partię komunistyczną, wracając tam z listami wyrażającymi skruchę”.

Córka Marika.

Marika urodziła się 13 listopada 1919 roku w Paryżu. Diego nigdy publicznie nie przyznał się do swojej córki, także dlatego, że Picasso wzbudził w nim zazdrość, głaszcząc Marevnę w czasie ciąży po brzuchu i mówiąc mu:

„To nie jest twoje, to jest moje”.

Pozostawiona sama Marevna znalazła się w bardzo trudnej sytuacji. Obrazy kupowano rzadko. A potem Marevna postanowiła spróbować swoich sił w tkaniu ozdobnych pasków i szali. Współpracowała z domem mody Irfe, stworzonym przez księżniczkę Jusupową, wykonywała szkice dla Paula Poireta, a nawet pokazywała je na wystawach. W 1925 roku na wystawie sztuki zdobniczej i użytkowej w Paryżu wystawiała je w pawilonie sowieckim. „Rosyjskie szale Marevny łączą w sobie dzikość, prymitywność i modę... W kreacjach Marevny jest coś wiosennego, spontanicznego, swobodnego i szczerego, co podoba się...” – pisał w 1927 roku paryski magazyn o modzie L’Ar Vivant.

Wróciła do malarstwa, a w 1936 roku odkrywca Modiglianiego Leopold Zborowski zorganizował jedną z jej pierwszych większych wystaw, a w 1948 wraz z córką przeprowadziła się do Anglii. Kolejne zainteresowanie nią wywołały jej wspomnienia, w których szczegółowo opisywała życie paryskiej bohemy. Wiele jej opowieści stało się ikonami, a jej obrazy, choć nie są arcydziełami, trafiły do ​​zbiorów największych muzeów świata.

W późniejszych obrazach powróciła do malowania portretów przyjaciół z młodości, które odbierane są pod wieloma względami jako hołd złożony miłości dla tego okresu historii artystycznej..

Portret żony artysty Fridy Kahlo.

Nigdy nie był tak blisko duchowo z żadną ze swoich ukochanych kobiet...

Ale najważniejsze w życiu artysty nie były kobiety, ale kreatywność. Udało mu się pracować różne style, w młodości zajmował się nawet kubizmem.

Na początku lat 20. ubiegłego wieku przyłączył się do państwowego programu zdobienia freskami budynki publiczne w Meksyku, tworząc własny styl malarstwa monumentalnego. W tym okresie wstąpił do Partii Komunistycznej, wierząc, że swoją sztuką zwraca się bezpośrednio do ludzi. W zasadzie tak właśnie było, na swoich freskach przedstawiał życie ludowe, ciężką pracę zwykłych ludzi i walkę Meksykanów o niepodległość.

W centrum kompozycji oczywiście Frida Kahlo

Na początku lat 30. artysta już to zrobił międzynarodowe uznanie, a wkrótce został zaproszony do USA, aby malować budynki użyteczności publicznej. W 1931 roku w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku odbyła się jego duża wystawa indywidualna. Szczególną popularnością wśród Amerykanów cieszyły się pejzaże, portrety i obrazy poświęcone życiu Indian. Od tego czasu wystawy Rivery zaczęły odbywać się coraz częściej, niezmiennie ciesząc się dużym zainteresowaniem publiczności. Tak się złożyło, że znaczna liczba prac komunistycznego artysty trafiła do muzeów i kolekcji prywatnych w Stanach Zjednoczonych. Bogaci miłośnicy sztuki nie interesowali się ideologicznymi preferencjami Rivery, widzieli w nim jedynie utalentowanego malarza.

Występ artysty był niesamowity. Znajdował czas na wszystko – twórczość, pracę społeczną i działalność pedagogiczna. Rivera był poważnie zaangażowany w kształcenie artystów krajowych, będąc dziekanem Meksykańskiej Szkoły Malarstwa. Mówią, że zachowywał się całkiem przyzwoicie w stosunku do studentek.

Artysta Diego Rivera zmarł 25 listopada 1957 roku w Meksyku, trzy lata po śmierci swojej żony Fridy Kahlo. Dziedzictwo twórcze wybitnego mistrza jest ogromne, obejmuje obrazy, rysunki i wielkoformatowe freski, które zdobią budynki w kilku krajach. Zainteresowanie jego twórczością nie słabnie, muzea przed jego obrazami są zawsze zatłoczone. Wśród innych prac artysty nieustannym zainteresowaniem widzów cieszą się płótna z nienaturalnie dużymi śnieżnobiałymi kaliami, które zawsze tak bardzo mu się podobały artysta.

Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez (hiszpański: Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez; 8 grudnia 1886 - 2 4 listopada 1957) - malarz meksykański , muralista, lewicowy polityk.

Diego Rivera urodził się 8 grudnia 1886 roku w mieście Guanajuato w północno-zachodnim Meksyku w zamożnej rodzinie. Ze strony ojca pochodził z hiszpańskiej szlachty. Diego miał brata bliźniaka, który zmarł w wieku dwóch lat. Jego matką była Converso, Żydówka, której przodkowie przeszli na katolicyzm.

Od 1896 do 1902 Rivera pobierał lekcje rysunku i malarstwa w Akademii Sztuk Pięknych w San Carlos w Meksyku. Otrzymał stypendium, które umożliwiło mu wyjazd do Hiszpanii. Od 1907 do 1921 przebywał w Europie. Studiował w Akademii Sztuk Pięknych w Madrycie (1907), następnie mieszkał i pracował w Paryżu (1909-1920), we Włoszech (1920-1921), odwiedził także Belgię, Holandię i Wielką Brytanię. Był blisko związany z paryską elitą artystyczną, m.in. z Pablo Picasso i Alfonso Reyesem.

Przez sześć miesięcy kochanką Rivery była Marevna (prawdziwe nazwisko Maria Bronislavovna Vorobyova-Stebelskaya (1892–1984)), rosyjska artystka i pamiętnikarka Polskie pochodzenie, która urodziła córkę Marikę (1919), późniejszą aktorkę.

Rivera pozostawał pod wpływem zarówno klasycznej europejskiej sztuki pięknej (studiował malowidła ścienne od XIV do XVI wieku), jak i modernizmu, w szczególności kubizmu. Tradycyjne meksykańskie gatunki i style artystyczne są mu bardzo bliskie.

W 1922 Rivera wstąpił do Meksykańskiej Partii Komunistycznej i w tym samym roku ożenił się po raz drugi, z Guadalupe Marin.

W 1927 artysta przybył do ZSRR, gdzie w 1928 został członkiem-założycielem stowarzyszenia Październik.

Rivera wziął udział w obchodach 10. rocznicy Wielkiej Październikowej Rewolucji Socjalistycznej w Moskwie. Podczas defilady wojskowej i demonstracji z tej okazji na Placu Czerwonym stanął na podium Mauzoleum W. I. Lenina. Wykonał dziesiątki szkiców uczestników uroczystości w Moskwie. Rysunki te zostały pokazane na wystawie prac Rivery w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku.

Później Rivera zaczął wyznawać poglądy trockistowskie, w 1929 roku opuścił Meksykańską Partię Komunistyczną i po przybyciu Trockiego do Meksyku udzielił mu schronienia w swoim domu. Wtedy powstał między nimi konflikt. 7 sierpnia 1939 r. Rivera został wydalony z meksykańskiej sekcji trockistowskiej 4. Międzynarodówki.

Z czasem zajął stanowisko zgodne z kursem Stalina i w 1954 ponownie wstąpił do Meksykańskiej Partii Komunistycznej.

Rivera pracował w Stanach Zjednoczonych w latach 1930-1934 i 1940. Od 1922 roku stał się jednym z założycieli meksykańskiej szkoły malarstwa monumentalnego, malując ogromną liczbę ścian budynków użyteczności publicznej i tworząc w tym celu niewielką formę fresku.

Jednym z głównych wątków twórczości Rivery są opowieści folklorystyczne, wierzenia i zwyczaje mieszkańców Meksyku, a także ruch rewolucyjny w tym kraju.

W latach 1932-1933 Rivera stworzył mural „Człowiek na rozdrożu” na zamówienie Rockefeller Center w Nowym Jorku. Najbardziej znaczące na tym fresku, przedstawiającym świat kapitalizmu jako świat wyzysku człowieka przez człowieka i świat socjalizmu jako świat zwycięskich robotników, były wizerunki W. I. Lenina ściskającego ręce robotników oraz demonstracje na Placu Czerwonym w Moskwie.

Mural został zniszczony w 1934 roku decyzją zarządu Rockefeller Center (jak oficjalnie ogłosiło centrum) po tym, jak Rivera odmówił zastąpienia wizerunku Lenina „obrazem twarzy nieznanej osoby”, jak stwierdzono w piśmie prawnik centrum. Jednocześnie Nelson Rockefeller nie zapłacił artyście honorarium. Później artysta wyjechał do Detroit, gdzie dobrze zarobił.

To jest część artykułu w Wikipedii używanego na licencji CC-BY-SA. Pełny tekst artykuły tutaj →

Życie Diego Rivery to splot sprzecznych wydarzeń i faktów. To jedna z najbardziej skandalicznych i prominentnych osobistości kulturalnych Meksyku.

Był ekscytujący opinia publiczna ze swoją twórczością, poglądami politycznymi i życiem osobistym przez całą pierwszą połowę XX wieku.

Z biografii artysty (1886-1957)

Diego Maria de la Concepcion Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera oraz Barrientos Acosta i Rodriguez – to jego pełne imię i nazwisko. Przyszły artysta urodził się 8 grudnia 1886 roku w mieście Guanajuato w północno-zachodnim Meksyku w zamożnej rodzinie. Od 1896 do 1902 Rivera pobierał lekcje rysunku i malarstwa w Akademii Sztuk Pięknych w San Carlos w Meksyku. Od 1907 do 1921 przebywał w Europie: studiował w Akademii Sztuk Pięknych w Madrycie (1907), następnie mieszkał i pracował w Paryżu (1909-1920), Włoszech (1920-1921), Belgii, Holandii i Wielkiej Brytanii. Był blisko zaznajomiony z Pablo Picasso i Alfonso Reyesem (pisarzem meksykańskim).
Był pod wpływem klasycznej europejskiej sztuki pięknej i modernizmu (głównie kubizmu), a także tradycyjnych meksykańskich gatunków i stylów artystycznych.

D. Rivera „Adoracja Matki Bożej” (1913)
W 1922 Rivera wstąpił do Meksykańskiej Partii Komunistycznej.
W 1927 roku artysta odwiedził ZSRR, a nawet został członkiem-założycielem tutejszego stowarzyszenia „Październik”, brał udział w obchodach 10. rocznicy Rewolucji Socjalistycznej Październikowej w Moskwie, występując na podium Mauzoleum W. I. Lenina. Zrobiłem szkice uczestników uroczystości w Moskwie.
Rivera przyjął później poglądy trockistowskie, opuścił Meksykańską Partię Komunistyczną i po przybyciu Trockiego do Meksyku zapewnił mu schronienie w swoim domu. Po konflikcie między nimi w 1939 r. Rivera został wydalony z meksykańskiej sekcji trockistowskiej 4. Międzynarodówki.
Następnie, stając się zwolennikiem stalinizmu, w 1954 r. ponownie wstąpił do Meksykańskiej Partii Komunistycznej. W latach 1955-1956 artysta ponownie przyjechał do ZSRR.

D. Rivera „Majowa demonstracja w Moskwie” (1956)
Diego Rivera zmarł 24 listopada 1957 roku w Meksyku i został pochowany w Rotundzie Wybitnych Osobistości.

Rotunda Wybitnych Osobistości– obiekt na terenie Panteonu Cywilnego Dolores w mieście Meksyk. Tutaj leżą prochy znanych wojskowych, naukowców i wybitnych postaci kulturowych Meksyku.
Rivera był trzykrotnie żonaty. Jego ostatnią żoną była artystka Frida Kahlo, główna kobieta w jego życiu.

Fridę Kahlo i Diego Riverę. Zdjęcie z 1929 roku

Twórczość Diego Rivery

W 1922 roku stał się jednym z założycieli meksykańskiej szkoły malarstwa monumentalnego i namalował ogromną liczbę ścian budynków użyteczności publicznej. Malował budynki Ministerstwa Oświaty (1923-1929), Ministerstwa Zdrowia (1929-1930), Pałacu Narodowego (1929-1950), Hotelu Prado w Meksyku (1947-1948), Państwowej Szkoły Rolniczej w Chapingo (1926-1927), Pałacu Corteza w Cuernavaca (1929-1930), Detroit Institute of Arts (1932-1933), Insurgentes Theatre (1951-1953), Stadionie Olimpijskim w Meksyku (1952-1953) , Izba Dystrybucji Wody rzeki Lerma (1951-1953 ).

Stadion Olimpijski w Meksyku
W latach 30. stał się jednym z najbardziej znanych artystów w Meksyku.
Jednym z głównych wątków twórczości Rivery są opowieści folklorystyczne, wierzenia i zwyczaje mieszkańców Meksyku oraz wydarzenia ruchu rewolucyjnego w tym kraju.
W latach 1932-1933 Rivera stworzył mural „Człowiek na rozdrożu” na zamówienie Rockefeller Center w Nowym Jorku. Przedstawiała W.I. Lenina trzymającego ręce robotników i demonstracje na Placu Czerwonym w Moskwie.

D. Rivera „Człowiek na rozdrożu”

D. Rivera. Fragment fresku
Fresk składał się z trzech części. W centrum znajduje się człowiek – władca żywiołów. Dwa światy są sobie przeciwne: socjalizm ze wszystkimi jego zaletami i okropnościami kapitalizmu.
Zarząd Rockefeller Center nakazał zniszczenie muralu w 1934 roku po tym, jak Rivera odmówił zastąpienia wizerunku Lenina innym, nieznanym wizerunkiem.
Artysta odtworzył fresk w Meksyku w Pałacu Sztuk Pięknych (ale pojawił się już na nim wizerunek Trockiego). Fresk nosił tytuł „Człowiek, który kontroluje wszechświat”.

D. Rivera „Człowiek, który kontroluje wszechświat” (fragment z wizerunkiem Trockiego)
Przez kilka lat po 1934 zajmował się przede wszystkim malarstwem sztalugowym. Uprawiał techniki olejne i akwarelowe, preferując portrety i pejzaże.
Od 1940 roku Rivera ponownie zajął się malarstwem fresków: pracował na Wystawie Światowej w San Francisco i malował Pałac Narodowy w Meksyku.

Malarstwo sztalugowe autorstwa D. Rivery

Choć główną twórczością artysty było malarstwo ścienne i monumentalne freski, znaczące miejsce w jego twórczości zajmowało malarstwo sztalugowe. Okres kubizmu rozpoczął się około 1913 roku i nie trwał długo, bo 2-3 lata. Rivera szybko opanował awangardowe style, osiągnął doskonałość w ich interpretacji i przeszedł do kolejnego stylu lub kierunku. Zawsze chętnie uczył się nowych rzeczy, Picasso stał się dla niego prawdziwym odkryciem.

D. Rivera. Portret mężczyzny (artysta Zinowjew) (1915)
Większość dzieł Rivery poświęcona jest tematyce politycznej. Rivera i Frida Kahlo byli komunistami, aktywnie uczestniczyli w demonstracjach i spotykali się z rosyjskimi emigrantami.

D. Rivera „Triumf rewolucji” (1926)
Postacie na obrazku rozdają żywność oraz karmią dzieci i kobiety. Rivera umieszcza kierownicę bezpośrednio za głową postaci pokazanej po lewej stronie. Nie jest to aureola w dosłownym tego słowa znaczeniu, ale żaden szczegół na obrazach Rivery nie jest przypadkowy.
We wszystkich swoich pracach artysta skupia się na ruchu i bogactwie krajobrazu.

D. Rivera „Zmierzch w Acapulco” (1956)
Wszyscy krytycy zwracają uwagę na cechy stylu artysty, których nikt nie był w stanie powtórzyć. A raczej jego twórczość to mieszanka stylów: realizmu, symbolizmu, ekspresjonizmu, surrealizmu...

D. Rivera „Ręce doktora Moore’a” (1940)
Płótno przedstawia dłonie lekarza ze skalpelem przecinającego drzewo. Zamiast drzewa, jeśli przyjrzysz się uważnie zdjęciu, z łatwością zobaczysz kobiecą postać, a jej korzenie przypominają naczynia krwionośne. U dołu obrazu na taśmie znajduje się napis: „To są ręce doktora Clarence’a Moore’a z Los Angeles, z Kalifornii. Przycinają drzewo życia, aby się odnowiło i nie uschło. Namalowany przez Diego Riverę w 1940 roku.” Dzięki temu podpisowi symbolika obrazu staje się jasna: lekarz przecina pępowinę w momencie narodzin nowego życia.

D. Rivera „Sen o niedzieli w parku Alameda”. Fragment centralny (1948)
Obraz ten przedstawia tradycyjne meksykańskie święto – Dzień Zmarłych. Wielopostaciowa kompozycja obejmuje wszystkie warstwy meksykańskiego społeczeństwa: portrety współczesnych, przedstawicieli meksykańskiej elity i biednych. Główną bohaterką pracy jest postać ubrana w maskę przypominającą czaszkę (maska ​​Katrina).

Ukazujący się na portalu w każdy poniedziałek rubrykę „10 niewiadomych” zazwyczaj poświęcamy zapomnianym i mało znanym dziełom sztuki znajdującym się w zbiorach moskiewskich muzeów czy nieoczywistym arcydziełom prezentowanym na wystawach czasowych. Ale w niektórych przypadkach zbieramy dla Ciebie przewodniki po wirtualnym muzeum jednego artysty lub ruchu artystycznego, aby opowiedzieć o najbardziej uderzających lub niezwykłych arcydziełach kultury światowej znajdujących się w różnych częściach świata.

Diego Rivery. Autoportret Ireny Rich. 1941

8 grudnia minęła 130. rocznica urodzin Diego Rivery (1886–1957), najsłynniejszego artysty Meksyku, męża Fridy Kahlo i zagorzałego komunisty. O twórczości genialnego mistrza - w nowym materiale działu „10 nieznanych”.

Diego Rivery. Dom nad mostem. 1909

Diego Rivera to meksykański malarz, muralista, grafik, mąż Fridy Kahlo (dwukrotnie), miłośnik całego Meksyku, komunista, rewolucjonista, kubista, symbolista, ekspresjonista i jeden z najwybitniejszych artystów XX wieku. W Rosji nie jest tak szeroko reprezentowany: wszystko, co o nim wiadomo, sprowadza się najczęściej do historii jego związku z Fridą.

Najwcześniejsze prace Rivery, które namalował w wieku od 18 do 25 lat, kontynuowały tradycje klasycznego malarstwa europejskiego. Pejzaże w duchu Cezanne'a, martwe natury przypominające twórczość Matisse'a - wszystko to świadczyło o bliskiej znajomości artysty z malarstwem francuskim jego epoki.

Diego Rivery. Bretońska dziewczyna. 1910

Rivera znał także dzieła dawnych mistrzów: portret bretońskiej dziewczyny i szereg innych portretów jest bliskich duchem twórczościom np. Johna Vermeera. Łatwo je sobie wyobrazić na równi ze słynną „Dziewczyną z perłą” czy „Mleczarką”, mimo że obrazy te dzieli prawie 300 lat. Rivera z łatwością naśladuje tradycje i wzbogaca je nowoczesnymi technikami impresjonistycznymi. Zwróć uwagę, jak zamaszyście i teksturowo napisana jest twarz lub ubrania dziewczyny: Diego doskonale opanował osiągnięcia Moneta i Maneta.

Diego Rivery. Portret Adolphe'a Best Mogara. 1913

Minie zaledwie kilka lat, a Rivera stanie na równi z Pablo Picassem, przekraczając historię impresjonizmu. Okres zamiłowania do kubizmu w twórczości meksykańskiego artysty był krótkotrwały – trwał zaledwie dwa–trzy lata. Rivera szybko opanował manierę mistrzów awangardy, osiągnął doskonałość w ich interpretacji i zdając sobie sprawę, że wyczerpał środki ich artystycznego wyrazu, przeszedł do kolejnego stylu lub kierunku. Zawsze chciał uczyć się nowych rzeczy, ale Picasso stał się dla niego prawdziwym odkryciem.

Diego Rivery. Portret dwóch kobiet. 1914

Pierwsza znajomość kubizmu raczej odstraszyła Riverę od takiego malarstwa: lubił techniki kompozytorskie, ale nie akceptował destrukcji tematu. We wcześniejszych pracach widzimy, jak holistycznie, obszernie i fakturowo przedstawia widoczne formy, podczas gdy kubiści rozbijali je na fragmenty. Rivera zaczyna uważnie studiować twórczość Picassa i Georgesa Braque’a, założycieli ruchu, a także główne manifesty malarstwa kubistycznego i stopniowo rozumie, że wszystko, co kiedyś wydawało mu się chaosem, reprezentuje spójną logikę. Nie bez powodu Diego i kubiści zaczęli od odkryć Cezanne’a: Picasso zrobił kolejny krok w analizie formy, a Rivera musiał posłusznie za nim podążać.

Diego Rivery. Triumf rewolucji. 1926

Ogromna część twórczości Rivery poświęcona jest tematyce politycznej. Rivera i Frida Kahlo byli komunistami, aktywnie uczestniczyli w demonstracjach i spotykali się z rosyjskimi emigrantami: wiadomo, że w ich domu mieszkał Leon Trocki. W twórczości Rivery wątek ten często krzyżował się z motywami narodowymi oraz motywami i obrazami religijnymi, splatając się w pojedyncze złożone wątki. Bohaterowie filmu „Triumf rewolucji” rozdają żywność i karmią dzieci i kobiety. Rivera umieszcza kierownicę bezpośrednio za głową postaci pokazanej po lewej stronie. Nie jest to oczywiście aureola w dosłownym tego słowa znaczeniu, ale żaden szczegół na obrazach Rivery nie jest przypadkowy.

Diego Rivery. Bankiet na Wall Street. 1928

Jak każdy komunista, Rivera był krytykiem kapitalizmu. Stworzył całą serię obrazów potępiających wady społeczne. Wśród nich są „Noc bogatych”, „Noc biednych”, „Śmierć kapitalisty” i „Bankiet na Wall Street”. Prace te mają tę samą strukturę: długi pionowy format, wąska, ciasna przestrzeń obrazu, a na górze - hasło zapisane na czerwonej wstążce okalającej obraz wpisany w łuk. Na „bankiecie” wszyscy goście piją szampana, siedząc pod ogromnym sejfem bankowym. Przez cały stół rozciąga się symboliczna złota żyła (swoją drogą żyły i naczynia krwionośne łączące ludzi były jednym z głównych motywów twórczości Fridy Kahlo), a tuż przed widzem, pośrodku pierwszego planu, to lampa stołowa w kształcie Statuy Wolności, symbolizującej Amerykę.

Diego Rivery. Ręce doktora Moore'a. 1940

Doktor Moore z Los Angeles, przyjaciel Rivery, podarował mu ten obraz. Nie jest to portret tradycyjny: płótno przedstawia ręce lekarza ze skalpelem przecinającego drzewo. Jeśli przyjrzysz się uważnie, zamiast drzewa z łatwością dostrzeżesz kobiecą postać, a jej korzenie przypominają naczynia krwionośne. U dołu obrazu na taśmie znajduje się napis: "To są ręce doktora Clarence'a Moore'a z Los Angeles, z Kalifornii. Przycinają drzewo życia, aby się odnawiało i nie obumiera. Malowane przez Diego Rivery w 1940 r.” Dzięki temu podpisowi staje się jasna głęboka symbolika obrazu: lekarz przecina pępowinę w momencie narodzin nowego życia. Taki obraz równie dobrze mogła namalować Frida – był całkowicie w jej duchu. Wiadomo również, że Rivera uważał się za inspirację i nauczyciela Kahlo.

Diego Rivery. Portret Nataszy Zakolkowej-Gelman. 1943

Frida była główną miłością Rivery. Pobrali się dwukrotnie, a ich gwałtowny południowy temperament doprowadził do takich kłótni i skandali, o których wiedział cały Meksyk. Rivera jednak nigdy nie malował jej portretów: na swoich płótnach przedstawiał setki modeli, ale nigdy ją. Być może był to wyraz szczególnego szacunku. Na tym portrecie jest ciekawy szczegół: Diego bardzo lubił białe kalie i często przedstawiał je na obrazach.

Diego Rivery. Sen o niedzielnym popołudniu w Alameda Park. 1948

Obraz „Sen niedzieli w parku Alameda” poświęcony jest tradycyjnemu meksykańskiemu święcie – Dniu Zmarłych. W wielopostaciowej kompozycji znajduje się ogromna liczba portretów współczesnych, przedstawicieli meksykańskiej elity w uroczystych strojach oraz biednych klas niższych, a właściwie wszystkich warstw meksykańskiego społeczeństwa. Głównym detalem pracy, odsłaniającym całą istotę tego, co się dzieje, jest postać w masce przypominającej czaszkę – tzw. maska ​​Katriny. Postać ta została stworzona przez meksykańskiego artystę José Guadalupe Posada w 1913 roku i stała się centralnym bohaterem festiwali folklorystycznych.

Diego Rivery. Majowa demonstracja w Moskwie. 1956

Zmarł Diego w 1957 r. Pracował do ostatniego dnia, wskrzeszając i realizując swoje wieloletnie plany. Jednym z ostatnich większych dzieł była „Demonstracja majowa w Moskwie”. Artysta gościł w stolicy dwukrotnie – w 1928 i 1956 r. Podczas swojej pierwszej wizyty spotkał się z radzieckimi fotografami i artystami, wygłaszał wykłady w Comacademy, brał udział w planowaniu miast i opracowywaniu projektów artykułów gospodarstwa domowego, podpisywał manifesty.

2 maja 1928 r. pośpiesznie opuścił ZSRR, zabierając ze sobą zeszyty ze szkicami i szkicami. Prawdziwe przyczyny rychłego odejścia artysty pozostały nieznane, jednak w 1929 roku opuścił on Meksykańską Partię Komunistyczną i zajął twarde stanowisko antystalinowskie, pozostając jednocześnie kategorycznym antykapitalistą. Na obrazie „Pokaz majowy” Diego Rivera dokładnie i rozpoznawalnie przedstawia róg Kremla i Muzeum Historyczne, Sobór Wasyla Błogosławionego i Mauzoleum Lenina. Jednocześnie sama demonstracja jest raczej impresją tego, co było widziane: miliony ludzi łączą się w jeden strumień płynący na Plac Czerwony.

Meksykański artysta Diego Rivera, którego biografia jest pełna kontrowersyjnych wydarzeń i faktów, jest jedną z najbardziej skandalicznych i wybitnych postaci kultury w Meksyku. Jego kreatywność poglądy polityczne i życie osobiste były w centrum uwagi przez całą pierwszą połowę XX wieku i są omawiane do dziś.

Dzieciństwo i młodość artysty

Ta muralistka, rewolucjonistka i niszczycielka kobiecych serc, urodziła się 8 grudnia 1886 roku w meksykańskim miasteczku Guanajuato. Miał zostać założycielem meksykańskiej szkoły malarstwa narodowego i swoją mieszanką stylów doprowadzić krytyków do szału. Chłopiec nie cieszył się doskonałym zdrowiem, krążyły pogłoski, że jako dziecko ledwo przeżył. Diego Rivera był miłośnikiem opowiadania nieprawdopodobnych historii, jednak wiadomo na pewno, że w 1893 roku jego rodzina przeniosła się do stolicy kraju, Meksyku. Po 5 latach pomyślnego ukończenia szkoły młody artysta wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych w San Carlos. Ten zakład dał młody człowiek tak doskonałe wykształcenie, że po jego ukończeniu mógł otrzymać stypendium. Korzystając z okazji, udał się na wycieczkę do Hiszpanii. Następnie odwiedził Anglię, Belgię, Holandię i Włochy.

Życie osobiste „kanibala”

Ze względu na swoją żarliwą miłość do kobiet i niezliczone związki Diego Rivera zyskał przydomek „kanibala”. On sam uwielbiał przedstawiać siebie jako grubą żabę ściskającą w łapie czyjeś serce. Naturalna pełnia i ciężkie powieki sprawiały, że podobieństwo było zauważalne nawet na zewnątrz. Opisując życie osobiste zbuntowanego artysty, zwykle mówią o jego małżeństwie z Fridą Carlo. Nie była jednak pierwszą, a tym bardziej jedyną kobietą w życiu twórcy. Młody Diego Rivera zawarł swoje pierwsze małżeństwo z namiętnej miłości do rosyjskiej artystki Angeliny Belovej w 1911 roku. Mieli syna. Ale mąż, mający obsesję na punkcie niekończących się namiętności i zdrad, opuścił Angelinę i udał się do Meksyku. Drugie krótkotrwałe małżeństwo zakończyło związek z Lupe Marin. Związek był owocny i dał światu dwie córki.

Żona i dziewczyna

W 1929 roku, kiedy jego drugie małżeństwo już się rozpadło, poznał główną kobietę swojego życia, Fridę Carlo. Diego Rivera poślubił znacznie młodszą dziewczynę. W 1939 r. doszło do rozwodu, ale już w 1940 r. pobrali się ponownie. Przez całe życie Rivera pozostał macho i namiętnym miłośnikiem kobiet. Zdradzał swoje żony z kochankami, które urodziły mu nieślubne dzieci.

Związek Diego i Fridy był pełen pasji, miłości, zazdrości, a czasem przemocy. Frida z wielką cierpliwością traktowała wybryki męża, była idolką swojego idola i namalowała wiele jego portretów. Ale kiedy zdradził Fridę z jej siostrą, nie mogła już wybaczyć i do 1939 roku związek się rozpadł. Wkrótce mąż, który sam obraźliwie domagał się rozwodu, błagał żonę, aby wróciła do niego na jakichkolwiek warunkach. Udzielił jej wsparcia finansowego i uległ głównemu żądaniu. Warunkiem ponownego zawarcia małżeństwa było podpisanie umowy małżeńskiej, przewidującej całkowite wyrzeczenie się intymnych stosunków między małżonkami. W życiu osobistym pozostał trójkąt Diego Rivery, żony i kochanek.

Ten małżonkowie nie było dzieci, 2 ciąże Fridy zakończyły się poronieniami. W 1954 roku Rivera został wdowcem, później pojawiały się sugestie, że pomógł umrzeć żonie, ale to tylko plotki. Zanim ostatnie dni Małżonków łączyły idee komunistyczne i komunikacja z wybitnymi rosyjskimi politykami.

Artysta w polityce

Od początku lat 30. Diego Rivera stał się niekwestionowanym liderem wśród meksykańskich muralistów. Jest z pewnością jednym z najbardziej znanych i kontrowersyjnych artystów, którego sympatie polityczne dla komunizmu, fascynujące monumentalne freski, energiczna działalność twórcza i życie towarzyskie stworzył pozór geniusza. Założyciel nowego nurtu w sztuce XX wieku coraz bardziej przyciągał uwagę społeczności światowej.

Debiut muralisty w Ameryce nastąpi w 1930 roku w mieście San Francisco, a już w grudniu 1931 roku z niesamowitym podekscytowaniem odbędzie się jego osobista wystawa. W całej historii muzeum była to druga wystawa tego samego autora. Jako pierwszy dostąpił tego zaszczytu Henri Matisse. Po zakończeniu wystawy artysta udaje się do Detroit, gdzie został osobiście zaproszony i tu, w samym centrum myśli przemysłowej w Ameryce, artysta Diego Rivera otrzymuje zlecenie namalowania dla Instytutu Sztuki muralu o tematyce „Detroit Przemysł." Henry Ford miał opinię zagorzałego antykomunisty. W latach 1929–1930 w zakładach Forda kilka tysięcy strajkujących pozostawało bez pracy. Ciekawe, że mimo to Diego Rivera, który pozycjonował się jako bojownik o prawa proletariatu, przyjmuje zamówienie i zapłatę od magnata przemysłowego.

Część fresku z kompozycją tematyczną „Szczepienia” zdawała się nawiązywać do ikonografii Narodzenia Pańskiego, co wywołało burzę oburzenia i protestów w prasie i kręgach kościelnych przeciwko muralowi. Głośny oddźwięk w społeczeństwie stał się integralną częścią muralu, a następnie przyniósł wielką sławę Detroit.

Człowiek na rozdrożu

Poglądy polityczne artysty odbijały się w jego twórczości i czasami powodowały gwałtowne konflikty z klientami. Fresk „Człowiek na rozdrożu, patrzący z nadzieją na wybór nowej, lepszej przyszłości” stał się okazją do jednego z takich przypadków. Prace nad nim rozpoczęły się w marcu 1933 roku. Debata toczyła się już na etapie wyboru palety, a ostatecznie mural pod naciskiem autora został pokolorowany. Składał się z trzech części. W centrum znajduje się człowiek – władca żywiołów. W miarę postępu prac fresk stawał się coraz bardziej złożony i ostatecznie przedstawiał dwa przeciwstawne sobie światy. Z jednej strony rozkosze socjalizmu, z drugiej okropności kapitalizmu. Wśród bohaterów jest nawet ktoś bardzo podobny do Lenina. Mural miał zostać odsłonięty publiczności podczas otwarcia budynku 1 maja 1933 roku. Jednak narastający skandal nie pozwolił na to i mimo że rodzina Rockefellerów rozważała możliwość zachowania muralu na zewnątrz budynku, podjęto decyzję o jego zniszczeniu. To była największa porażka Rivery w kreatywności i polityce.

Wpływ na sztukę światową

„Diego niepokoi mnie. Zrezygnował ze sławy, woląc robić to, co robi teraz” – powiedział Alfonso Reyes o swoim bliskim przyjacielu. Przejście do kubizmu jest znaczące dla Diego Rivery. Obrazy „Adoracja Matki Bożej” i „Dziewczyna z owocami” odzwierciedlają ruch autora w tym kierunku. Cechą ostatnich prac jest zdeformowane pojmowanie przestrzeni, choć dalekie od kubizmu. We wszystkich swoich pracach artysta podkreślał ruch i bogactwo pejzażu.

Na rozwój Diego Rivery znaczący wpływ miały klasyczne europejskie style w malarstwie. To malowidła ścienne okres XIV- Wiek XVI dał wiele do myślenia i przyczynił się do sukcesu fresków Diego. Od 1940 roku osiągał znaczne sukcesy w malarstwie freskowym, dzięki czemu został zaproszony do pracy na Wystawie Światowej w San Francisco, a później naciągnięty przez rząd do malowania Pałacu Narodowego w Meksyku.

Zakończenie podróży

Diego Rivera zmarł 24 listopada 1957 roku w Meksyku i został pochowany w Rotundzie Znamienitych Twórców. We wszystkim był sprzeczny. Chętnie wykonywał rozkazy kapitalistów, gloryfikując socjalizm, wyznając poglądy komunistyczne. Kochał kobiety, ale niszczył ich losy i życie z tą samą pasją, z jaką malował ich portrety. Diego Rivera, którego stylu ani przed, ani po nim nie mógł powtórzyć żaden malarz, pozostawił po sobie tak wiele tajemnic i zagadek, że nawet kilka wieków nie wystarczyłoby, aby je rozwiązać.

Zmarł w wieku 70 lat, ledwo przeżył swoją ukochaną żonę Fridę i pozostawił bezcenne dziedzictwo w kulturze, historii, polityce i sercach tych, którzy go kochali.