Z wyrazami miłości, Vincent, kiedy się ukaże. „Van Gogha. Z miłością, Vincent.” W Rosji ukazuje się pełnometrażowy film animowany. tysiące obrazów olejnych

9 listopada odbędzie się premiera filmu „Van Gogh. Z miłością, Vincent.” W swoim tradycyjnym felietonie Cinemafia opowiada 11 ciekawe fakty o filmie.

Co wiemy o Van Goghu? Narysował słoneczniki i odciął sobie ucho. Co ludzie czytający jego listy wiedzą o Van Goghu? Dużo, dużo więcej. Polska reżyserka Dorota Kobiela i jej brytyjski kolega Hugh Welchman dzielą się swoją wiedzą. Być może historia, którą opowiadają, rodzi więcej pytań o osobowość i losy artysty, ale z pewnością daje nam kilka odpowiedzi. Proces powstawania niezwykłego malarstwa-obrazów miał wiele ciekawych cech. Przyjrzyjmy się niektórym z nich.

1. „Van Gogh” pierwotnie miał być filmem krótkometrażowym

Główna reżyserka projektu Dorota Kobiela z wykształcenia jest artystką. Jest także wielką fanką Van Gogha. Wymyśliła ten film jako film krótkometrażowy i bardzo osobisty. Miałem to narysować sam. Ale w trakcie pracy zdałem sobie sprawę, jak wielki może być oddźwięk publiczny tej historii - Vincent jest kochany na całym świecie, jego wystawy przyciągają nie mniej zwiedzających niż koncerty obecnych gwiazd. Zebrał się zespół i zdecydowano się na pełnometrażowy film, stając się w ten sposób pionierami pełnometrażowego malarstwa animowanego.

Przepisanie scenariusza na nowy format nie było łatwe, Dorota i Hugh Welchmanowie, którzy zostali jej współautorami, mieli wiele możliwości, ale najbardziej żywa okazała się opowieść o śmierci.

Dorota, Hugh i scenariusz

2. „Vincent” to koprodukcja o złożonej historii finansowania

Potencjalni inwestorzy traktowali film z dużą ostrożnością i często zadawali twórcom pytania, na które nie potrafili znaleźć odpowiedzi, gdyż planowany projekt nie miał analogii. W efekcie środki zebrano w kawałkach. Pierwszy wkład wpłynął od Polskiego Instytutu Sztuki Filmowej w formie grantu. Film wsparł wówczas samorząd Wrocławia, Dolnośląski Fundusz Filmowy, szwajcarska firma SilverReel Entertainment, brytyjska firma Trademark Films, agencja nieruchomości Unibail-Rodamco, a nawet Doha Film Institute (Katar). Ponadto film przeprowadził udaną kampanię na Kickstarterze, podczas której zbierano fundusze na szkolenie artystów. W podziękowaniu za ich wkład twórcy zaproponowali nakręcenie dla nich 20-sekundowego filmu w technice malarstwa animowanego.

Jedną z „gratulacji” dla inwestorów jest szmaciana lalka namalowana przez artystę projektu

3. Filmowany przez dwa tygodnie, malowany przez dwa lata

Proces kręcenia nie zajął dużo czasu - dwa tygodnie i wszystko było gotowe. Późniejsze renderowanie ram trwało dwa lata. Ze względu na napięty harmonogram reżyserzy musieli przyciągnąć do projektu dodatkowych artystów; początkowo pracowało 20 osób, do końca – sześć i ćwierć razy więcej.

Armand Roulin: Douglas Booth na zdjęciu, Armand na obrazie Van Gogha oraz w wyniku renderingu

4. Fotosy stały się obrazami

W filmie wykorzystano 65 000 klatek fotograficznych, a oryginały – około 1000 obrazów przedstawiających ostatnią klatkę każdej sceny – pozostały u twórców. Wiele z nich zostało później rozprowadzonych, ale niektóre pozostały nieodebrane i zdecydowano się je sprzedać. Ostatni kadr sceny nie jest koniecznie najciekawszy, ale mimo to chętni mogą kupić dzieło na oficjalnej stronie projektu. Koszt waha się od tysiąca do dziewięciu tysięcy euro.

Na przykład będzie to kosztować 1250 euro

5. Czasem trzeba było przerobić oryginały

Film malarski powstał w wyniku starannych wysiłków projektantów, aby prace Van Gogha, malowane różnymi technikami, w różnych kolorach i na płótnach o różnych rozmiarach, sprowadzić do pewnego wizualnego wspólnego mianownika. Główny bohater Arman czasami „wchodził” na obrazy odbiegające od jego własnego wizerunku – musiał się zharmonizować: zmienić technikę rysowania, porę roku, dzień. W celu takiego ujednolicenia powstało 377 obrazów „na podstawie”.

6. Na potrzeby filmu stworzono specjalne stanowiska pracy

Biorąc pod uwagę wybraną technikę, kręcenie Vincenta mogło zająć dużo czasu, a twórcy starali się zrobić wszystko, co w ich mocy, aby przyspieszyć produkcję. W rezultacie powstały PAWS – stanowiska pracy z animacją malowaną.

Pozwalają równomiernie oświetlić przestrzeń roboczą, rzutować przechwycone klatki na powierzchnię roboczą (lub wyświetlać na monitorze nad nią), wykonywać zdjęcia gotowych klatek, a także sterować proces produkcyjny bez odwracania uwagi artystów.

Artyści studyjni w pracy

7. Bronn został Doktorem Gachetem

Jerome Flynn jest w tej roli bardzo naturalny!

8. W filmie znajdują się wstawki w innym kolorze

Twórcy od razu zdecydowali, że w filmie będzie dużo retrospekcji i że zdecydowanie będą one różnić się techniką od głównych wydarzeń. Zostały wykonane w czerni i bieli, na podstawie fotografii z czasów Van Gogha. Było to konieczne, po pierwsze, aby widz mógł odpocząć od bogatej kolorystyki filmu, a po drugie, aby nie malować jego techniką miejsc, których nie było na obrazach mistrza. Twórcy uznali, że byłoby to zbyt zdecydowane odejście od wykreowanego przez artystę świata.

Już niedługo. Ranny Vincent wraca do hotelu.

9. Hugh Welchman kocha Prokofiewa

Drugi reżyser „Vincenta” od dawna i z sukcesem zajmuje się animacją, w szczególności wyprodukował film krótkometrażowy na podstawie symfonicznej baśni Prokofiewa „Piotruś i wilk”, który w 2008 roku został nagrodzony Oscarem dla najlepszego filmu animowanego. W tamtym czasie był to najdłuższy (32 minuty) film krótkometrażowy, jaki kiedykolwiek zdobył tę nagrodę.

Wilk. Biedna Petya.

10. Clint Mansell skomponował ścieżkę dźwiękową

11. Dyrektorzy - mąż i żona

Ich biurowy romans zaczął się, gdy „Vincent” był dopiero projektem: Dorota pracowała nad grafiką koncepcyjną do kreskówki „Czarodziejski fortepian” autorstwa studia Hugh. Zainteresowali się sobą, a Hugh zakochawszy się w Dorocie, zakochał się także w jej filmie. Wewnętrzne pokrewieństwo z Van Goghem, które Dorota zawsze czuła, stało się duszą projektu. Dorota pokazała listy Hugh Vincenta, które od młodości bardzo ją inspirowały i zarażały entuzjazmem. „Van Gogha. Z miłością, Vincent” jest dzieckiem miłości.

Hugh i Dorota z Nagrodą Publiczności Festiwalu w Annecy

Vincent Willem van Gogh to holenderski artysta, który położył podwaliny pod ruch postimpresjonistyczny, który w dużej mierze zdeterminował zasady twórczości współczesnych mistrzów.

Van Gogh urodził się 30 marca 1853 roku we wsi Groot Zundert w prowincji Brabancja Północna, graniczącej z Belgią.

Ojciec Theodore Van Gogh był duchownym protestanckim. Matka Anna Cornelia Carbentus pochodzi z rodziny szanowanego księgarza i introligatora z miasta (Den Haag).

Vincent był drugim dzieckiem, ale jego brat zmarł zaraz po urodzeniu, więc chłopiec był najstarszy, a po nim w rodzinie urodziło się pięcioro kolejnych dzieci:

• Teodor (Theo);
• Cornelis (Kolor) (Cornelis, Korytarz);
• Anna Kornelia;
• Elżbieta (Liz) (Elizabeth, Liz);
• Willemina (Vil) (Willamina, Vil).

Dziecko otrzymało imię na cześć swojego dziadka, protestanckiego pastora. Imię to miało nosić pierwsze dziecko, jednak ze względu na jego przedwczesną śmierć otrzymało je Vincent.

Wspomnienia bliskich ukazują postać Vincenta jako bardzo dziwnego, kapryśnego i krnąbrnego, nieposłusznego i zdolnego do nieoczekiwanych wybryków. Poza domem i rodziną był kulturalny, cichy, uprzejmy, skromny, życzliwy, wyróżniał się niezwykle inteligentnym wyglądem i sercem pełnym współczucia. Unikał jednak rówieśników i nie włączał się do ich zabaw i zabaw.

W wieku 7 lat ojciec i matka zapisali go do szkoły, ale rok później on i jego siostra Anna zostali przeniesieni do nauka w domu, a dziećmi opiekowała się guwernantka.

W 1864 roku Vincent miał 11 lat i został wysłany do szkoły w Zevenbergen. Choć od ojczyzny dzieliło go zaledwie 20 km, dziecku ciężko było znieść rozłąkę, a te przeżycia zapadły mu w pamięć na zawsze.

W 1866 roku Vincent został skierowany jako uczeń do placówki oświatowej Willema II w Tilburgu (College Willem II w Tilburgu). Nastolatek zrobił ogromne postępy w masteringu języki obce, mówił i czytał doskonale po francusku, angielsku i niemiecku. Nauczyciele zauważyli także zdolność Vincenta do rysowania. Jednak w 1868 roku nagle porzucił studia i wrócił do domu. Nie był już wysyłany do instytucji edukacyjnych; kontynuował naukę w domu. Wspomnienia słynnego artysty z początków jego życia były smutne; dzieciństwo kojarzyło się z ciemnością, zimnem i pustką.

BĘDZIESZ POTRZEBOWAĆ ARTYKUŁÓW

Biznes

W 1869 roku w Hadze Vincent został zwerbowany przez swojego wuja o tym samym nazwisku, którego przyszły artysta nazywał „Wujkiem Świętym”. Wujek był właścicielem filii firmy Goupil&Cie, która zajmowała się badaniem, wyceną i sprzedażą dzieł sztuki. Wincenty zdobył zawód handlarza i poczynił znaczne postępy, dlatego w 1873 roku został wysłany do pracy w Londynie.

Praca z dzieła sztuki był dla Vincenta bardzo interesujący, nauczył się rozumieć sztuki piękne i stał się stałym bywalcem muzeów i sal wystawowych.

Jego ulubionymi autorami byli Jean-François Millet i Jules Breton. Historia pierwszej miłości Vincenta sięga tego samego okresu. Ale historia była niezrozumiała i zagmatwana: mieszkał w wynajętym mieszkaniu z Ursulą Loyer i jej córką Eugene; Biografowie spierają się o to, kto był obiektem miłości: jeden z nich czy Karolina Haanebeek. Ale bez względu na to, kim był ukochany, Vincentowi odmówiono i stracił zainteresowanie życiem, pracą i sztuką.

Zaczyna w zamyśleniu czytać Biblię. W tym okresie, w 1874 roku, musiał przenieść się do paryskiego oddziału firmy. Tam ponownie staje się stałym bywalcem muzeów i lubi tworzyć rysunki. Nienawidząc działalności handlarza, przestał przynosić dochód firmie i został zwolniony w 1876 roku.

Nauczanie i religia

W marcu 1876 roku Vincent przeprowadził się do Wielkiej Brytanii i został bezpłatnym nauczycielem w szkole w Ramsgate. Jednocześnie myśli o karierze duchownego. W lipcu 1876 roku przeniósł się do szkoły w Isleworth, gdzie dodatkowo pomagał księdzu. W listopadzie 1876 roku Wincenty czyta kazanie i przekonuje się o swoim przeznaczeniu w przekazywaniu prawdy nauczania religijnego. W 1876 roku Vincent przyjechał do jego domu na święta Bożego Narodzenia, a jego matka i ojciec błagali go, aby nie wyjeżdżał. Vincent dostał pracę w księgarni w Dordrechcie, ale nie lubi tego zawodu.

Cały swój czas poświęca tłumaczeniu tekstów biblijnych i rysowaniu.

Ojciec i matka, ciesząc się z jego chęci do służby religijnej, wysyłają Vincenta do Amsterdamu, gdzie z pomocą krewnego Johannesa Strickera przygotowuje się z teologii do przyjęcia na uniwersytet i mieszka ze swoim wujkiem Janem Van Goghem ), który miał stopień admirała.

Kolejny etap poszukiwań wiązał się z protestancką szkołą misyjną w mieście Laken pod Brukselą. Szkołą kierował pastor Bokma. Vincent przez trzy miesiące zdobywa doświadczenie w pisaniu i czytaniu kazań, ale też opuszcza to miejsce. Informacje biografów są sprzeczne: albo sam rzucił pracę, albo został zwolniony z powodu niechlujstwa w ubiorze i niezrównoważonego zachowania.

W grudniu 1878 roku Wincenty kontynuował posługę misyjną, ale już w południowym regionie Belgii, we wsi Paturi. We wsi mieszkały rodziny górnicze, Van Gogh bezinteresownie pracował z dziećmi, odwiedzał domy i rozmawiał o Biblii oraz opiekował się chorymi. Aby się utrzymać, rysował mapy Ziemi Świętej i sprzedawał je. Van Gogh dał się poznać jako asceta, szczery i niestrudzony, za co otrzymał niewielką pensję od Towarzystwa Ewangelickiego. Planował wstąpić do szkoły ewangelickiej, ale nauka była odpłatna, co zdaniem Van Gogha jest niezgodne z prawdziwą wiarą, której nie można wiązać z pieniędzmi. Jednocześnie zwraca się do dyrekcji kopalni z prośbą o poprawę warunków pracy górników. Odmówiono mu i pozbawiono prawa do głoszenia kazań, co go zszokowało i doprowadziło do kolejnego rozczarowania.

Pierwsze kroki

Van Gogh odnalazł spokój przy swoich sztalugach i w 1880 roku postanowił spróbować swoich sił w Królewskiej Akademii Sztuk w Brukseli. Wspiera go brat Theo, jednak rok później studia ponownie zostają porzucone, a najstarszy syn wraca pod dach rodziców. Jest pochłonięty samokształceniem i pracuje niestrudzenie.

Czuje miłość do owdowiałej kobiety kuzyn Kee Vos-Stricker, która wychowała syna i przyjechała z wizytą do rodziny. Van Gogh zostaje odrzucony, ale nie ustaje i zostaje wyrzucony z domu ojca. Te wydarzenia wstrząsnęły młody człowiek, ucieka do Hagi, pogrąża się w twórczości, pobiera lekcje u Antona Mauve, rozumie prawa sztuk pięknych, wykonuje kopie dzieł litograficznych.

Van Gogh spędza dużo czasu w dzielnicach zamieszkałych przez biedotę. Dziełami tego okresu są szkice dziedzińców, dachów, alejek:

• „Podwórka” (De achtertuin) (1882);
• „Dachy. Widok z pracowni Van Gogha” (Dak. Het uitzicht vanuit de Studio van Gogh) (1882).

Ciekawą techniką jest łączenie akwareli, sepii, tuszu, kredy itp.

W Hadze wybiera na żonę kobietę o łatwych cnotach, imieniem Christine.(Van Christina), który podchwycił bezpośrednio na panelu. Christine przeprowadziła się z dziećmi do Van Gogha i stała się wzorem dla artysty, ale jej charakter był okropny i musieli się rozstać. Ten odcinek prowadzi do ostatecznego zerwania z rodzicami i bliskimi.

Po zerwaniu z Christine Vincent przeprowadza się do Drenth na wsi. W tym okresie pojawiły się pejzaże artysty, a także obrazy przedstawiające życie chłopskie.

Wczesne prace

Okres twórczy reprezentujący pierwsze dzieła powstałe w Drenthe wyróżnia się realizmem, ale wyraża klucz cechy charakterystyczne indywidualny styl artysty. Wielu krytyków uważa, że ​​cechy te tłumaczy się brakiem podstawowego wykształcenia artystycznego: Van Gogh nie znał praw reprezentacji człowieka dlatego postacie na obrazach i szkicach wydają się kanciaste, pozbawione wdzięku, jakby wyłaniały się z łona natury, jak skały, na które naciska sklepienie nieba:

• „Czerwone winnice” (Rode wijngaard) (1888);
• „Wieśniaczka” (Boerin) (1885);
• „Zjadacze ziemniaków” (De Aardappeleters) (1885);
• „Wieża starego kościoła w Nuenen” (De Oude Begraafplaats Toren w Nuenen) (1885) itp.

Prace te wyróżnia ciemna paleta odcieni, które oddają bolesną atmosferę otaczającego życia, bolesną sytuację zwykłych ludzi, współczucie, ból i dramat autora.

W 1885 roku zmuszony był opuścić Drenthe, gdyż nie spodobało mu się to księdzu, który uważał malowanie za rozpustę i zabraniał mu lokalni mieszkańcy pozować do zdjęć.

Okres paryski

Van Gogh jedzie do Antwerpii, pobiera lekcje w Akademii Sztuk Pięknych i dodatkowo u prywatnego instytucja edukacyjna, gdzie dużo pracuje nad przedstawieniem aktów.

W 1886 roku Vincent przeniósł się do Paryża, aby dołączyć do Theo, który pracował w salonie specjalizującym się w transakcjach sprzedaży dzieł sztuki.

W Paryżu w latach 1887/88 Van Gogh pobierał lekcje w prywatnej szkole, poznawał podstawy sztuki japońskiej, podstawy impresjonistycznego stylu malarstwa i twórczość Paula Gauguina. Ten etap w twórcza biografia Vag Gogh nazywany jest światłem, motywem przewodnim jego prac są delikatny błękit, jaskrawa żółć, ogniste odcienie, jego prace pędzla są lekkie, zdradzają ruch, „przepływ” życia:

• Agostina Segatori w kawiarni Tamboerijn;
• „Most na Sekwanie” (Brug nad Sekwaną);
• „Papa Tanguy” i inni.

Van Gogh podziwiał impresjonistów, a dzięki swojemu bratu Theo poznał celebrytów:

• Edgara Degasa;
• Kamil Pissarro;
• Henri Touluz-Lautrec;
• Paul Gauguin;
• Emile Bernard i inni.

Van Gogh znalazł się wśród dobrych przyjaciół i ludzi o podobnych poglądach i był zaangażowany w proces przygotowywania wystaw organizowanych w restauracjach, barach i salach teatralnych. Publiczność nie doceniła Van Gogha, uznała ich za okropnych, ale on pogrążył się w nauce i samodoskonaleniu, rozumiejąc teoretyczne podstawy technologii koloru.

W Paryżu Van Gogh stworzył około 230 dzieł: martwe natury, obrazy portretowe i pejzażowe, cykle malarskie (na przykład cykl „Buty” z 1887 r.) (Schoenen).

Co ciekawe, osoba na płótnie odgrywa rolę drugorzędną, a najważniejszy jest jasny świat natury, jej zwiewność, bogactwo kolorów i ich subtelne przejścia. Van Gogh otwiera nowy kierunek - postimpresjonizm.

Rozkwitać i znajdować swój własny styl

W 1888 roku Van Gogh zaniepokojony niezrozumieniem publiczności wyjechał do Arles na południu Francji. Arles stało się miastem, w którym Vincent zrozumiał cel swojej pracy: nie starać się odzwierciedlić rzeczywistego, widzialnego świata, ale wyrazić swoje wewnętrzne „ja” za pomocą koloru i prostych technik technicznych.

Postanawia zerwać z impresjonistami, jednak specyfika ich stylu od wielu lat objawia się w jego pracach, w sposobie przedstawiania światła i powietrza, w sposobie układania akcentów kolorystycznych. Typowe dla dzieł impresjonistycznych są serie płócien, na których ten sam krajobraz, ale w różne czasy dzień i w różnych warunkach oświetleniowych.

Atrakcyjność stylu twórczości Van Gogha z czasów jego świetności polega na sprzeczności pomiędzy pragnieniem harmonijnego światopoglądu a świadomością własnej bezradności wobec dysharmonijnego świata.

• Pełne światła i świątecznego charakteru dzieła roku 1888 współistnieją z ponurymi, fantasmagorycznymi obrazami:
• „Żółty Dom” (Gele huis);
• „Krzesło Gauguina” (De stoel van Gauguin);

„Taras kawiarni nocą” (Cafe terras bij nacht). Dynamika, ruch koloru, energia pędzla mistrza to odzwierciedlenie duszy artysty, jego tragicznych poszukiwań, impulsów do zrozumienia otaczający nas świat

• żywe i nieożywione:
• „Czerwone winnice w Arles”;
• „Siewca” (Zaaier);

„Nocna kawiarnia” (Nachtkoffie). Gauguinowi udało się uciec, a Van Gogh, okazując skruchę, odciął sobie część płatka ucha.

Biografowie różnie oceniają ten epizod; wielu uważa, że ​​czyn ten był przejawem szaleństwa wywołanego nadmiernym spożyciem napojów alkoholowych. Van Gogh został wysłany do szpitala psychiatrycznego, gdzie trzymano go w surowych warunkach na oddziale dla psychicznie chorych. Gauguin odchodzi, Theo opiekuje się Vincentem. Po leczeniu Vincent marzy o powrocie do Arles. Jednak mieszkańcy miasta protestowali i artystce zaproponowano zamieszkanie obok szpitala Saint-Paul w Saint-Rémy-de-Provence, niedaleko Arles.

Od maja 1889 roku Van Gogh mieszka w Saint-Rémy, malując ponad 150 dużych dzieł oraz około 100 rysunków i akwareli rocznie, wykazując się mistrzostwem w stosowaniu półtonów i kontrastu. Wśród nich dominuje gatunek pejzażu, martwe natury oddające nastrój i sprzeczności w duszy autora:

• „Gwiaździsta noc” (Nocne światła);
• „Krajobraz z drzewami oliwnymi” (Landschap met olijfbomen) itp.

W 1889 roku owoce twórczości Van Gogha zostały wystawione w Brukseli i spotkały się z entuzjastycznymi recenzjami kolegów i krytyków. Ale Van Gogh nie czuje radości z uznania, które w końcu nadeszło; przeprowadza się do Auvers-sur-Oise, gdzie mieszka jego brat i jego rodzina. Tam nieustannie tworzy, ale przygnębiony nastrój i nerwowe podniecenie autora przenoszą się na płótna z 1890 roku, wyróżniają się przerywanymi liniami, zniekształconymi sylwetkami obiektów i twarzy:

• „Wieś droga z cyprysami” (Landelijke weg met cipressen);
• „Krajobraz w Auvers po deszczu” (Landschap w Auvers na de regen);
• „Pole pszenicy z wronami” (Korenveld met kraaien) itp.

27 lipca 1890 roku Van Gogh został śmiertelnie ranny od pistoletu. Nie wiadomo, czy zdjęcie było zaplanowane, czy przypadkowe, ale artysta zmarł dzień później. W tym samym miasteczku został pochowany, a 6 miesięcy później z wyczerpania nerwowego zmarł także jego brat Theo, którego grób znajduje się obok Vincenta.

W ciągu 10 lat twórczości powstało ponad 2100 prac, z czego około 860 powstało w technice olejnej. Van Gogh stał się założycielem ekspresjonizmu, postimpresjonizmu, jego zasady stanowiły podstawę fowizmu i modernizmu.

Pośmiertnie odbyła się seria triumfalnych wydarzeń wystawienniczych w Paryżu, Brukseli, Hadze i Antwerpii. Na początku XX w. kolejna fala pokazów twórczości słynnego Holendra miała miejsce w Paryżu, Kolonii (Keulen), Nowym Jorku (Nowy Jork), Berlinie (Berlijn).

Obrazy

Nie wiadomo dokładnie, ile obrazów namalował Van Gogh, ale historycy sztuki i badacze jego twórczości skłaniają się ku liczbie około 800. Tylko w ciągu ostatnich 70 dni życia namalował 70 obrazów – po jednym dziennie! Przypomnijmy sobie najsłynniejsze obrazy z nazwami i opisami:

Zjadacze ziemniaków pojawili się w 1885 roku w Nuenen. Autor opisał to zadanie w przesłaniu do Theo: starał się pokazać ludzi ciężkiej pracy, którzy za swoją pracę otrzymali niewielką nagrodę. Ręce uprawiające rolę przyjmują Jego dary.

Czerwone winnice w Arles

Słynny obraz pochodzi z 1888 roku. Fabuła filmu nie jest fikcyjna; Vincent opowiada o niej w jednym ze swoich przesłań do Theo. Na płótnie artysta przekazuje bogate kolory, które go uderzyły: głęboką czerwień liście winogron, przenikliwe zielone niebo, jasnofioletowa, obmyta deszczem droga ze złotymi refleksami promieni zachodzącego słońca. Kolory zdają się przenikać, oddając niespokojny nastrój autora, jego napięcie i głębię jego filozoficznych przemyśleń na temat świata. Taki wątek powtórzy się w twórczości Van Gogha, symbolizując życie wiecznie odnawiane poprzez pracę.

Nocna kawiarnia

„Night Cafe” ukazała się w Arles i przedstawiła przemyślenia autora na temat człowieka, który samodzielnie niszczy własne życie. Ideę samozagłady i ciągłego podążania w stronę szaleństwa wyraża kontrast krwawego burgunda i zieleni. Chcąc zgłębić tajemnice mrocznego życia, autor pracował nad obrazem nocą. Ekspresjonistyczny styl pisania oddaje pełnię namiętności, niepokojów i bolesności życia.

W spuściźnie Van Gogha znajdują się dwie serie prac przedstawiających słoneczniki. W pierwszym cyklu na stole ułożone są kwiaty, namalowane w okresie paryskim w 1887 roku, wkrótce zakupione przez Gauguina. Druga seria pojawiła się w latach 1888/89 w Arles, na każdym płótnie - kwiaty słonecznika w wazonie.

Kwiat ten symbolizuje miłość i wierność, przyjaźń i ciepło relacji międzyludzkich, dobroć i wdzięczność. Artysta wyraża głębię swojego światopoglądu w słonecznikach, kojarząc się z tym słonecznym kwiatem.

„Gwiaździsta noc” powstała w 1889 roku w Saint-Rémy; przedstawia w dynamice gwiazdy i księżyc, otoczone bezkresnym niebem, Wszechświat istniejący wiecznie i pędzący w nieskończoność. Znajdujące się na pierwszym planie cyprysy dążą do gwiazd, a wioska w dolinie jest statyczna, nieruchoma i pozbawiona aspiracji do nowego i nieskończonego. Wyrażanie podejść i zastosowań kolorów różne typy pociągnięcia pędzlem oddają wielowymiarowość przestrzeni, jej zmienność i głębię.

Ten słynny autoportret powstał w Arles w styczniu 1889 roku. Ciekawostką jest dialog barw czerwono-pomarańczowych i niebiesko-fioletowych, na tle którego następuje zanurzenie w otchłań zniekształconej świadomości człowieka. Uwagę przykuwa twarz i oczy, jakby zaglądając w głąb osobowości. Autoportrety są rozmową malarza z nim samym i wszechświatem.

„Kwitnące migdały” (Amandelbloesem) powstały w Saint-Rémy w 1890 roku. Wiosenne kwitnienie migdałowców jest symbolem odnowy, narodzin i wzmocnienia życia. Niezwykłą cechą płótna jest to, że gałęzie unoszą się bez podstawy; są samowystarczalne i piękne.

Portret ten został namalowany w 1890 roku. Jasne kolory oddają znaczenie każdej chwili, a praca pędzla tworzy dynamiczny obraz człowieka i natury, które są ze sobą nierozerwalnie związane. Wizerunek bohatera obrazu jest bolesny i nerwowy: wpatrujemy się w obraz smutnego starca, pogrążonego w myślach, jakby pochłonął bolesne doświadczenia lat.

„Pole pszenicy z wronami” powstało w lipcu 1890 roku i wyraża poczucie zbliżającej się śmierci, beznadziejnej tragedii istnienia. Obraz jest pełen symboliki: niebo przed burzą, zbliżające się czarne ptaki, drogi prowadzące w nieznane, ale niedostępne.

Muzeum

(Muzeum Van Gogha) zostało otwarte w Amsterdamie w 1973 roku i prezentuje nie tylko najbardziej podstawową kolekcję jego twórczości, ale także dzieła impresjonistów. To pierwsze najpopularniejsze centrum wystawiennicze w Holandii.

Cytaty

1. Wśród duchowieństwa, a także wśród mistrzów pędzla panuje despotyczny akademizm, nudny i pełen przesądów;
2. Myśląc o przyszłych trudach i przeciwnościach, nie byłbym w stanie tworzyć;
3. Malarstwo jest dla mnie radością i spokojem, daje mi możliwość ucieczki od trudów życia;
4. Chcę wyrazić w swoich obrazach wszystko, co kryje się w sercu nieistotnej osoby.

„Miłość, Vincent” została nazwana pierwszym obrazem olejnym w historii, ale nawet ten opis nie oddaje w pełni całej skrupulatnej i technicznej pracy, jaką autorzy włożyli, aby stworzyć ten wyjątkowy obraz. Reżyserzy Dorota Kobella i Hugh Welchman wspominają, jak siedem lat spędzili na tworzeniu filmu, który poprzez jego obrazy opowiada o życiu Van Gogha.

Tło

Reżyserka Dorota Kobiela pracowała jako animatorka i była niezwykle niezadowolona, ​​że ​​ciągle musi pracować nad cudzymi projektami. Decydując się na stworzenie czegoś własnego, postanowiła połączyć swoje główne hobby: malarstwo i kino. Jako studentka studiowała interakcję sztuki i psychologii oraz obroniła się praca na temat listów Van Gogha. To ona podsunęła jej pomysł na siedmiominutowy film krótkometrażowy opowiadający o ostatnich dniach życia artystki.

Podczas udanej kampanii crowdfundingowej Kobela spotkała się z producentem Hugh Welchmanem, który był zaintrygowany jej projektem.

„To wszystko ma także aspekt biznesowy” – powiedział Welchman. „Kiedyś poszedłem na wystawę, na której pokazano tylko listy Van Gogha i dwa jego obrazy, a kolejka trwała trzy i pół godziny. Pomyślałem: „Jeśli ludzie ustawiają się w kolejce, żeby zobaczyć te listy, to musimy nakręcić o tym pełny film”.

„Kiedy poznał swoją osobowość, po prostu oszalał” – mówi Kobiela. „Podchodził do wszystkiego z wielkim entuzjazmem i był całkowicie zanurzony w projekcie.”

Kobiela i Welchman rozpoczęli romans i razem wyruszyli w siedmioletnią podróż, aby nakręcić ten film.

Film koncepcyjny i aktorski

Podstawą filmu był krótki cytat z listu Van Gogha – „Nie możemy mówić inaczej niż poprzez nasze obrazy”.

„Odebrałem to dosłownie” – wspomina Kobiela. „Pomyślałem, że byłoby wspaniale to zrobić – sprawić, by obrazy przemówiły i opowiedziały historię”.

Reżyserzy wykorzystali 94 obrazy artysty jako lokacje do filmu, a także „ożywili” swoich prawdziwych bohaterów – przyjaciół i znajomych Van Gogha – aby rozwikłać tajemnicę jego ostatnich dni.

Ponieważ Van Gogh próbował uchwycić istotę postaci na swoich obrazach, reżyserzy wiedzieli, że potrzebowali dobrych aktorów, którzy przenieśli to wszystko na ekran. Kobiela i Welchman nakręcili z aktorami 95-minutowy film fabularny w ciągu dwóch tygodni. Znani wykonawcy, w tym Saoirse Ronan i Chris O'Dowd, grali swoje role przede wszystkim na tle chromakey. Kolejne dwa tygodnie trwały w Polsce zdjęcia tła i debla – to wszystko wystarczyło, aby ukończyć wersję aktorską filmu. Produkcja przebiegała jak każda inna – z pełnoetatową ekipą, w skład której wchodzili autorzy zdjęć Łukasz Zał (Ida) i Tristan Oliver (Fantastyczny pan Lis) – z wyjątkiem ogólnego pośpiechu spowodowanego ograniczonymi zasobami.

Następnie reżyserzy zastosowali komponowanie, aby połączyć materiał filmowy z gry z obrazami Van Gogha, a także wykorzystali animację komputerową, aby nadać statycznemu tłu trójwymiarowy realizm. Gdy tylko był gotowy ostateczny montaż, autorzy przystąpili do malowania.

65 tysięcy obrazów olejnych

„Namalowanie 65 000 obrazów o szerokości około 75 cm i wysokości około 45 cm wymaga niesamowicie dużo pracy” – mówi Welchman. „Musieliśmy więc przeprowadzić wiele testów, aby upewnić się, że jest to w ogóle możliwe”.

Niewielką część filmu stanowią czarno-białe sceny, które nie rozgrywają się na tle obrazów Van Gogha, ale powstały przy użyciu technik rotoskopii. Jednak w zdecydowanej większości odcinków reżyserzy chcieli zobaczyć prawdziwe, ręcznie wykonane pociągnięcia pędzlem, oddające styl artysty. Animacja komputerowa byłaby tutaj zupełnie nie do przyjęcia.

„Obrazy Vincenta mają w pociągnięciach pędzla rytm, którego nie da się odtworzyć za pomocą rotoskopii. Wymaga to kreatywnej animacji. Trzeba było kontrolować każdą klatkę i animować każde pociągnięcie” – wspomina Kobiela.

Pierwszym krokiem było zrobienie zdjęć aktorom – wybranych na podstawie ich fizycznego podobieństwa prawdziwi ludzie, po czym zostali całkowicie ubrani i umalowani do filmu – i skorelowali je z postaciami z portretów Van Gogha. Wyspecjalizowani artyści stworzyli na płótnie 377 obrazów o wymiarach 26″ x 19′, na których połączyli obrazy Van Gogha i aktorów.

Zespół produkcyjny stworzył 97 stanowisk do animacji, w których pracuje duża grupa artystów, którzy przybyli z całej Europy i osiedlili się w jednym z trzech studiów zlokalizowanych w dwóch krajach. Stanowiska robocze zostały zaprojektowane tak, aby każdy mógł obejrzeć oryginalny materiał filmowy, nie martwiąc się o technologię czy oświetlenie.

W sumie artyści stworzyli na potrzeby filmu 65 tysięcy obrazów, które następnie nakręcono aparatami cyfrowymi Canon D20 w rozdzielczości 6K. I choć w postprodukcji dokonano pewnych zmian w filmie, składa się on w całości z tych ujęć.

W 1891 roku, rok po śmierci artysty Vincenta Van Gogha, francuski naczelnik poczty Roulin, który był dobrym przyjacielem malarza, znajduje niewysłany list Vincenta do jego młodszego brata Theo. Z szacunku dla Van Goghów naczelnik poczty prosi swojego niezbyt zamożnego syna Armanda (Douglas Booth), aby odnalazł Theo i dał mu list. Armand rozpoczyna poszukiwania w Paryżu i dowiaduje się, że młodszy Van Gogh zmarł kilka miesięcy po Vincentie, a wdowa po nim opuściła Francję. Zdecydowawszy, że musi zwrócić kobiecie list od jej krewnych, Roulin udaje się do miasteczka Auvers-sur-Oise, gdzie Vincent mieszkał ostatnie dni. Arman ma nadzieję, że leczący artystę doktor Paul Gachet wie, jak odnaleźć jego synową.

Dzięki bogatej korespondencji Vincenta van Gogha i licznym wspomnieniom z jego życia wiemy o wielkim Holendrze znacznie więcej niż o wielu XIX-wiecznych osobistościach. Jednak Van Gogh pozostaje atrakcyjną, hipnotyzującą zagadką. Dlaczego odciął sobie ucho? Dlaczego strzelił sobie z pistoletu w brzuch? W jakim stopniu jego wyjątkowe malarstwo odzwierciedlało jego stan psychiczny? Łatwo zrzucić wszystko na chorobę psychiczną, na którą cierpiał Van Gogh. Był jednak zbyt rozsądny, aby działać arbitralnie. W jego działaniach, codziennych i artystycznych, była pewna logika. A badacze i miłośnicy Van Gogha od ponad stu lat próbują zidentyfikować tę logikę i rozwikłać tajemnice życia i śmierci mistrza.

Obraz anglo-polski „Van Gogh. Love, Vincent” podejmuje ten temat w konwencji staroświeckiego kryminału. Wyruszając na poszukiwania Theo Van Gogha i jego żony Armanda Roulina – prawdziwej osoby i jednej z opiekunek Van Gogha – zachowuje się jak detektyw-amator. Spotyka się z tymi, którzy podobnie jak on znał Vincenta, i próbuje dowiedzieć się, dlaczego artysta, który na krótko przed śmiercią czuł się dobrze i był pełen planów na przyszłość, popełnił samobójstwo – i to w bardzo nietypowy i niezwykle bolesny sposób (jak zauważa jeden z bohaterów filmu, samobójcy strzelają sobie w głowę lub serce, a nie w brzuch).

Vincent Van Gogh zaprzyjaźnił się z naczelnikiem poczty Roulinem i jego rodziną, ponieważ prawie codziennie pisał i wysyłał listy. Znaczna ich część została zachowana

Arman początkowo z szacunkiem wysłuchuje świadków, jednak w miarę zdobywania nowych informacji stara się wciągnąć „przesłuchiwanych” w sprzeczności i dotrzeć do sedna prawdy. To prawda, że ​​​​Roulin ostatecznie nie dochodzi do żadnych definitywnych wniosków, ponieważ nadal nie jest Sherlockiem Holmesem ani Herkulesem Poirotem. Obraz reprezentowany przez Armanda oferuje kilka wersji wydarzeń i prosi widza o wyciągnięcie własnych wniosków. Niemniej jednak jest to najciekawsza wycieczka dla tych, którzy są zafascynowani Vincentem Van Goghem i chcą zanurzyć się w atmosferze życia, które zrodziło i zniszczyło mistrza.

Aby zanurzenie się w świat Van Gogha było pełne, taśma została stworzona w wyjątkowy sposób. Najpierw reżyserzy filmu Dorota Kobiela i Hugh Welchman nakręcili „Van Gogha” jako zwykły film historyczny, a następnie ponad stu artystów przerysowało każdą klatkę farbami olejnymi albo na wzór obrazów Van Gogha (główna narracja ) lub w czarno-białej, fotorealistycznej stylistyce (retrospekcje z udziałem Vincenta granego przez polskiego aktora Roberta Gulaczyka).

Powszechnie wiadomo, że Vincent Van Gogh sprzedał tylko jeden obraz w swoim życiu. Mniej wiadomo, że obraz ten zatytułowany „Czerwone winnice w Arles” znajduje się w Moskwie, w Muzeum Sztuk Pięknych A.S. Puszkin

Wygląda niesamowicie. Film jednocześnie przenosi widzów przez życie Van Gogha i jego twórczość. Wiele obrazów mistrza – przede wszystkim portrety i pejzaże – włącza się bezpośrednio do malarstwa w postaci kluczowych kadrów lub fragmentów kadrów. Im lepiej znasz obrazy Van Gogha, tym większą przyjemność sprawi ci sposób, w jaki są one przedstawiane w kinie. Prace nad filmem trwały ponad pięć lat, ale było warto. To oszałamiająca deklaracja miłości do Van Gogha. Lub, jak kto woli, nabożeństwo przy ołtarzu artysty, w którym może wziąć udział każdy widz.

Inna sprawa, że ​​dla tych, którzy nie są szczególnie entuzjastycznie nastawieni do Van Gogha, w filmie jest za dużo Monsieur Vincent, a za mało „zwykłej” rozrywki kinowej. To nie dramat, nie komedia, nie ekstrawagancja akcji – filmowi bliższe są suche produkcje dokumentalne z wstawkami z gier niż biografie, które starają się wciągnąć widza w nieznaną historię znana osoba. „Van Gogha. With Love, Vincent” został nakręcony i narysowany dla już entuzjastycznych. Celuje w mały cel, ale trafia w dziesiątkę.